走近中国川剧,传统川剧与现代摇滚的碰撞

来源:中国文化报作者:秦小瑛

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川剧有巴蜀文化、艺术历史、民俗等方面的研究和认知价值,在中国戏曲史及巴蜀文化发展史上具有十分独特的地位。然而,近年来由于种种原因,尤其是在流行音乐文化的冲击下,川剧这一传统的艺术形式出现了观众日益减少、演出市场萎缩、经费不足等问题,开始面临生存危机。为了留住川剧的根,拓宽它的受众面,对川剧有着特殊感情的成尧肇通过10多年的积累、创作、实践,创造了一种将大巴山民间音乐元素和川剧打击乐以及现代摇滚音乐有机结合的全新川剧形式——川剧摇滚。川剧摇滚之冠名,主要是根据川剧打击乐和摇滚音乐节奏很容易形成一致的特点,更能使其摇滚“摇”得更响亮,“滚”得更激烈,在摇滚流派中让浓郁的川味更加突出,更具特色。

习近平总书记曾多次强调,中华优秀传统文化是中华民族的精神命脉。中国戏曲是中华传统文化的精髓,它是集文学、诗歌、音乐、舞蹈、武术、杂技、美术等于一体的综合艺术。在戏曲的舞台上无处不体现忠、孝、仁、义、礼、廉、耻,人们也因此懂得了真善美和假恶丑。故陈独秀先生曾说,戏苑乃普天之下大学堂也,优伶者乃天下之大教师也。近两年来,中共中央、国务院高度重视中国戏曲,并相继由国务院办公厅出台了关于戏曲发展的若干意见和措施,四川省政府也相应出台了关于戏曲发展的具体实施意见,教育部、文化部、财政部也出台了戏曲进校园的若干意见和措施。这些对我们从事传统戏曲的文艺工作者来讲,是一次大好的机遇和历史责任。

川剧摇滚采用的唱腔主要是灯调,创作者认为川剧的五种唱腔中除灯调外,其余声腔均属外来声腔的感染后,融入川味而产生的,如昆曲,由江苏入川,高腔即江西弋阳腔流变,弹戏、胡琴系秦腔演变而成等,不足以体现巴蜀文化的独特性。而灯调是源于四川本土的民间音乐元素,能够充分地体现地方文化特色。川剧摇滚由一人演唱,采用伴奏带。根据需要偶尔会请一些临时乐队伴奏和临时舞蹈演员伴舞,主要采用街舞、霹雳舞。除此以外,唱段与唱段之间根据内容需要,可采用“冷相书”的表现手法进行表演。川剧摇滚的伴奏主要采用现代流行音乐中的乐器——电子琴、架子鼓、吉他、贝斯,其中,以贝斯为主。除此以外,它还采用了传统川剧的伴奏乐器——唢呐、二胡、京胡、三弦、扬琴等。

目前,不少人认为川剧就是变脸,变脸就是川剧,实际上这是对川剧的一种误解。川剧是中华优秀文化的精髓,能充分体现巴蜀人民的人文精神。在当今社会,酒香不怕巷子深的时代已经过去,戏曲艺术的发展需要我们活态化地去传承和创新。只有这样,传统的川剧艺术才能焕发出新的生机。

川剧摇滚最大的艺术特色在于它将现代流行元素中的摇滚风格与川剧打击乐相结合,除了采用川剧音乐中最重要的部分——川剧锣鼓作伴奏以外,将摇滚音乐所采用的乐器——电子琴、架子鼓、吉他、贝斯与之融合。这种继承和创新意在既能使老者能回味传统韵律,又能使年轻人乐于接受;其次,川剧摇滚将巴山民间音乐元素融入其中,如“喊山歌”“川号子”等,使其充满浓郁的地方色彩;再者,川剧摇滚的唱词主要来源于巴中人民的现实生活,是对人民现实生活的真实写照;最后,川剧摇滚采用方言演唱,使其通俗易懂,易于传唱。

世界著名的三大戏剧是印度梵剧、希腊悲剧、中国戏曲,到如今仍在流传和发展的却只有中国戏曲,迄今也已有千年的历史。川剧是中国最古老的八大地方剧种之一,流行于四川、重庆、云南、贵州、西藏等地,已有300多年历史,是中国戏曲最重要的组成部分。2006年,川剧被国务院列为首批国家级非物质文化遗产。50年代初是川剧最辉煌的时代,1952年在第一届全国戏曲观摩演出大会上,川剧《柳荫记》荣获演出一等奖、陈书舫荣获表演一等奖,川剧《秋江》的周企何荣获表演一等奖,并到中南海进行演出,得到中央领导人毛泽东主席的亲切接见。1959年川剧成为第一个走出国门的中国地方戏曲剧种,赴东欧四国演出,演出剧目有《焚香记》等。1978年邓小平同志在成都金牛坝连看了三场折子戏演出,从此开启了全国传统戏曲的解放,四川省委同时提出了振兴川剧的八字方针抢救、继承、改革、发展,之后更是涌现出了以魏明伦、徐棻为代表的著名剧作家,代表作品有《巴山秀才》《易胆大》《四姑娘》《潘金莲》《死水微澜》等。近年来,川剧已出访了世界几十个国家和地区,进行了多次演出。

川剧摇滚自首次演出以来,受到了不少观众尤其是年轻一代的喜爱。但是在其得到肯定的同时也饱受争议,争议的话题主要围绕它是川剧的创新,还是一种脱离川剧的全新艺术形式。

川剧《诗酒太白》饰 唐明皇

一切艺术都需要与时俱进,不断创新。正如鲁迅曾说:“没有冲破一切传统思想和手法的闯将,中国是不会有新文艺的。”但是创新并非“改头换面”,尤其是像川剧这样具有代表性的地方剧种,不管是从它的唱腔、角色行当、服装、伴奏乐器、表演程式等都突显出了中国戏曲文化的特征。也正是因为川剧具有这样的文化特征,它能够成为人们辨别的符号。当我们在发展川剧时,我们首先要做的就是很好地继承它,要做到“移步不换形”,以继承为基础,在继承中发展。倘若我们抛开传统去创新,无疑是“空中楼阁”。

川剧的艺术魅力在于其剧本文辞、唱腔音乐、程式功法、行当类型、服饰道具、独到绝技等方面。

川剧摇滚能够将中国传统音乐和现代流行元素相结合,这种思维方式、创新手段无疑是独特的,值得我们学习和借鉴。至于它到底是不是川剧的创新,相信自会有专业人士给予评价。

川剧剧本的文辞美

川剧剧本的文学性非常强,语言风趣、幽默。上个世纪50年代,以川剧《柳荫记》为代表的大幕剧成功上演后,受到全国各地方剧种的热烈追捧。京剧将全本《柳荫记》和《秋江》移植到了京剧舞台上,由名家叶盛兰、杜近芳等担纲主演,演出引起了巨大轰动,其中的唱词、念白等几乎都没有做过任何改动。许多名剧折戏,如《情探》《摘红梅》《评雪辨踪》等还成为了教材范本,如《情探》中王魁的一段唱词更澜静夜色哀,月明如水浸楼台,透出了凄风一派。

川剧《诗酒太白》饰 唐明皇

在我看来,川剧剧本文学性强的因素之一在于其地域性。四川是一个人杰地灵的地方,拥有深厚的历史人文积淀。历史上不仅许多文人骚客都曾游历蜀地并留下了许多著名诗篇,四川本土更是人才辈出,古代有李白、苏轼等,近代有巴金,当代有马识途等。特别是近代这些文学大家,他们对川剧的发展起到了重要的作用。川剧艺术家和文学家之间相互学习、相互研究、相互借鉴,文学家们对川剧剧本的唱词、文本结构等都提出了很好的意见。而剧本语言的风趣、幽默则源于四川人骨子里的乐观豁达、积极向上。正是基于以上这些因素,才有了后来舞台上那些长演不衰的经典剧作。

川剧唱腔的音乐之美

要了解一个剧种首先要从该剧种的音乐、唱腔出发,正如当我们听到树上的鸟儿,成双对自然就会想起黄梅戏;听到刘大哥讲话,理太偏就会想起豫剧;听到站在了船头观锦绣,千红万紫满神州便会知道这是川剧。川剧的唱腔音乐涵盖了中国所有戏曲音乐的样式,形成了昆、高、胡、弹、灯五腔共和的形式。通过这五种声腔,听者可以感受到川人开放、乐观、包容的文化态度和敢于创新、创造的进取精神。

川剧《拾玉镯》饰 傅朋

昆腔是说明川剧文化融合的最好典范。四川是一个移民大省,历史上就有湖广填川的典故。当时,随着移民迁徙而来的,还有一些江浙当地的戏班。这些原本用吴语唱昆曲的戏班入川之后,迫于语言限制,为了生存他们不得不改用四川话来唱昆曲,同时借鉴吸收了四川的民族音乐元素,以此形成了川味昆腔。如川剧《御河桥》中的一段昆曲小桃红:我表妹,真美貌,眉清目秀柳条腰,好一似月宫仙子袅袅婷婷步下云霄。

川剧《摘红梅》饰 裴禹

新普京娱乐场 ,高腔是川人最喜欢的曲调之一,也是川剧最主要的唱腔音乐。据统计,在川剧几千个大小剧目中,有百分之六十五左右的剧目都是用高腔来演绎的。而实际上高腔并不是四川本土的唱腔音乐,它来源于江西弋阳腔,属于曲牌体,如等。传统的高腔就如青歌赛的原生态唱法一样,并无音乐伴奏。八十年代初期,以川剧《芙蓉花仙》为代表的改革川剧,大胆地运用了现代通俗音乐以及民歌音乐元素进行创作,受到了年轻观众的欢迎。该剧已上演三千余场,高腔采用一唱众和的徒歌式演唱,运用帮、打、唱的有机结合,形成了独特的唱腔音乐风格。

川剧《放裴》饰 裴禹

帮是指帮腔,在旧社会以男鼓师代帮腔,解放后改为了女生帮腔。帮腔的作用有很多,如为演员定调、帮助演员进入角色、营造氛围、控制舞台气氛、描述景物、作为对话叙事、代表观众心声等。打是指打击乐,川剧打击乐在全国戏曲剧种中是独树一帜的。打击乐分文场和武场,十分讲究打人物、打剧情。如《石怀玉惊梦》中,唱词亏心事儿做不得后面,便出现了一个表现情绪的重锤锣鼓的打击乐。打击乐的作用有控制舞台节奏、烘托环境气氛、展示人物内心世界、表现动作力度、帮助介绍人物、调动剧场秩序等。唱是指唱腔,川剧高腔对演员的要求很高,要有极好的嗓音条件,不仅要能唱低音、中音、高音,甚至有的高音比帕瓦罗蒂的音区还高。如二度梅花奖获得者陈智林演唱的《托国入吴》中的灵魂儿早入在庙堂一句,这句唱法极具亮点。戏曲中流传着一句谚语:唱声容易,唱情难。因此,高腔特别注重抑扬顿挫、轻重缓急。

胡琴源于徽调板腔体音乐体系,以小胡琴为主要伴奏乐器,分为西皮二黄两类。

弹戏源于陕西等地区,属于板腔体音乐体系。乱弹梆子腔即陕西秦腔,以盖板胡琴为主要伴奏乐器,唱腔分为甜皮和苦皮,其音乐高昂、粗旷,并伴有梆子敲击节拍。

灯调来源于四川川北一带的民歌小曲,分为曲艺音乐和灯戏音乐等,是川剧五种声腔中唯一的本土戏曲音乐。灯戏在川剧中颇有特色,它常见于四川民间的传统庆典、祭祀歌舞等表演上。灯戏声腔的特点是乐曲短小、节奏鲜明、轻松活泼、旋律明快,具有浓厚的四川地域韵味,十分接地气。灯戏的代表剧目有《裁衣》
《闹窑》 《滚灯》等。

川剧程式功法之美

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